Fleabag, The Good Fight, Better Call Saul, When They See Us e BoJack Horseman estão entre os destaques da tevê nos últimos 12 meses.

Neste nono ano consecutivo, o Previamente faz o principal recorte da temporada da TV. Este é o mais ambicioso e completo relatório dos destaques da televisão na imprensa brasileira, sendo um trabalho colaborativo de mais dois meses. Mas, é claro, para conseguir assistir e selecionar o melhor de quase 500 séries produzidas por ano atualmente, é um esforço constante, sem intervalos.

A temporada 2018/2019 foi marcada pelo retorno das grandes minisséries/séries limitadas, a queda brusca na qualidade geral dos dramas regulares e a devida aclamação das comédias regulares, notavelmente o que há de melhor atualmente na TV. Para selecionar os destaques da temporada, montamos um júri com 17 pessoas entre profissionais da área, jornalistas, críticos, estudantes e aficionados por séries. A seleção foi realizada utilizando os mesmos critérios do Emmy Awards: entram as obras que foram exibidas em sua totalidade ou mais de 50% de sua temporada entre 1º de junho de 2018 até 31 de maio de 2019. E pelo quarto ano, os internautas puderam puderam eleger suas séries de comédia e drama favoritas.

Neste ano, separamos as categorias individualmente — você pode lê-las clicando nas imagens correspondentes abaixo. Ou pode conferir o post completo após as imagens, seguindo o texto nesta página.

Confira abaixo a lista completa com os melhores episódios, atrizes, atores e séries da TV na temporada 2018/2019.

 

MELHORES ATORES COADJUVANTES

Stellan Skarsgård (Chernobyl)

Tony Shalhoub (The Marvelous Mrs. Maisel)

Na segunda temporada, The Marvelous Mrs. Maisel teve tempo de expandir a importância de alguns dos personagens coadjuvantes e Abe, o pai da protagonista da série, é um deles. Desde o primeiro capítulo do novo ano, fica claro que Tony Shalhoub terá mais espaço — e isso se concretiza ao longo dos 10 episódios. Abe é um personagem clássico, com certos valores que definem quem ele é e como enxerga o mundo. Sendo a série ambientada na década de 1950, há certos conceitos fincados no chão em concreto. Ao longo da temporada, Abe precisa sair da sua zona de conforto por uma porção de motivos, mas em geral o problema se define no seguinte: esposa, filha e filho de Abe não correspondem mais ao que ele entendia como ser o correto ou ao menos o que considerava saber sobre eles, assim como a vida ao seu redor. Tendo que lidar com mudanças as quais Abe definitivamente não esperava, Shalhoub entrega uma das melhores performances de sua carreira compondo um personagem cheio de tics, com certa resistência a mudanças, chiliques, constantemente no limite da paciência, mas que debaixo disso tem um coração enorme. Ainda que discorde da profissão da filha, por exemplo, não a proíbe, mesmo não entendendo a graça e o sentido do que ela faz, e ainda a defende diante de terceiros. — Rodrigo Ramos

Delroy Lindo (The Good Fight)

A terceira temporada de The Good Fight permitiu que muitos personagens tomassem o co-protagonismo com Diane Lockhart, e desta vez Adrian Boseman se tornou mais relevante do que previamente. Delroy Lindo é um ótimo ator e seu personagem vai se tornando, gradativamente, seu melhor papel da carreira. Neste terceiro ano, Adrian teve de ser aquele tentando manter os pés no chão, sem se afetar em demasia na loucura apresentada na narrativa. Claro, ele dá uma boa risada disso, mas a ação é mais para tentar trazer a situação de volta ao que deveria ser o normal e se distanciar do absurdo. Manter a sanidade é essencial, e Adrian o faz, inclusive, mantendo uma relação com uma juíza — e vê-lo fora do cenário usual de escritório e julgamento faz bem para o personagem. Lindo tenta trazer sobriedade para a situação toda através de sua performance, e consegue. Ele também acaba se exaltando em alguns momentos, como quando coloca Roland Blum (Michael Sheen) contra a parede, mas em geral Boseman tende a não sair do controle, assim como sua atuação, controlada e sempre no ponto. — Rodrigo Ramos

Michael Kenneth Williams (When They See Us)

Infelizmente, Michael Kenneth Williams nunca recebeu das premiações o devido reconhecimento por seu trabalho. Não adiantou fazer papeis memoráveis em The Wire e Boardwalk Empire. Mas, quem sabe, sua sorte mude com o papel que foi lhe dado em When They See Us. Papel este que tem o maior peso até aqui em sua carreira. Pai de Antron McCray, um dos cinco garotos presos injustamente por crimes que não cometeram, Bobby McCray é a oportunidade de Williams demonstrar o alcance da sua capacidade como ator. Apesar de aparecer pouco tempo em tela, quando está presente ele chama a atenção toda para si. Sua performance é poderosa, notável nos momentos de explosão (quando precisa obrigar o filho a dizer que fez o que não fez), e principalmente naqueles de fragilidade (quando o policial o ameaça, durante o julgamento, e nos últimos anos de vida, já doente). Williams mostra ser um pai que se importa com o filho desde o princípio, e justamente por isso carrega a culpa pelo resto de sua vida por ter feito Antron assumir crimes que não cometera. É um misto de vergonha, de arrependimento, de culpa, uma mescla de dor impossível de traduzir em palavras, mas que Williams, com maestria, executa em tela. — Rodrigo Ramos

Henry Winkler (Barry)

O grande desafio da segunda temporada de Barry foi jogar seu elenco, acostumado a comédias, a investir em um lado mais sombrio e dramático. Henry Winkler, notoriamente um ator de comédia, é posto numa situação delicada, já que seu personagem, Gene, passa pelo luto da perda de sua namorada. De início, ele apresenta-se catatônico, mas consegue encontrar na história dos outros, nas tragédias alheias de seus alunos, um modo de lidar com o destino trágico de sua amada. O foco no trabalho torna-se um cano de escape para tentar, de alguma forma, superar não só a morte, mas também os arrependimentos da vida, e acaba levando-o a buscar reparar o passado com o seu filho. Winkler maneja as dores e constrói com sutileza as variações de tristeza, os pouquíssimos picos de alegria (como quando sorri ao ter um retorno positivo de seu filho) e a seriedade profissional, sem pôr pra escanteio os tons cômicos (como quando aconselha Barry numa situação difícil e acaba cobrando por hora de aula particular). Ao final da temporada, o estado catatônico retorna, e os últimos segundos da temporada mostram a dificuldade de dar vida a esse personagem e como Winkler, veterano que é, executa a função com perfeição. — Rodrigo Ramos

Jonathan Banks (Better Call Saul)

Por mais que Better Call Saul, por quatro temporadas, tenha mantido seu nível, Mike Ehrmantraut deixou de ter material tão rico para trabalhar quanto no primeiro ano da série — pelo qual, inclusive, foi roubado no Emmy ao perder o troféu de ator coadjuvante em drama para Peter Dinklage, de Game of Thrones. É motivo de satisfação para o espectador, portanto, que tenham retificado isso na quarta temporada, em que Jonathan Banks tem novos desafios para encarar como Mike. Aqui, o personagem cria uma relação ainda mais estreita com Gus (um buraco do qual a gente sabe pela história que ele só vai se afundar ainda mais), há uma relação até de amizade para ele com o responsável pela construção pedida por Gus, além de haver tempo para ele aprofundar ainda mais o relacionamento afetivo e complicado com a nora. Banks sendo Banks é ótimo, com o tom rabugento que lhe fez ser popular, porém ele consegue explorar novas nuances em sua interpretação quando apela para o lado mais sentimental, a exemplo da cena do episódio “Talk”, em que lida com o fato de a nora estar iniciando o estágio de superação do falecimento do esposo dela e filho dele, as mentiras de um dos frequentadores da terapia em grupo e a explosão consequente da gama de emoções. Em geral, é uma atuação discreta, mas com substância. — Rodrigo Ramos

Andrew Scott (Fleabag)

“It’s god, isn’t it?”. Eu conheci Andrew Scott interpretando Moriarty, em Sherlock, e quase quis que ele matasse todo mundo e dominasse o mundo mesmo de tão bom que ele é. Aqui não é diferente. O Padre Gato™ é um personagem tecnicamente brilhante, cheio de meandros e idiossincrasias. Ele é ao mesmo tempo altruísta e egoísta. Careta e rebelde. Tranquilo e tenso. É, para além de sua função de padre, um homem em crise, confuso em relação à sua identidade, crenças, prioridades, e que ainda assim precisa irremediavelmente cumprir seu papel de guia (e normalmente o cumpre excepcionalmente bem). É um homem rasgado entre deus e o desejo (num sentido bem amplo da palavra, que ultrapassa em muito apenas o sexual), e meio alcoólatra também. Tudo isso para ser explorado e passado em seis episódios de meia hora.

A atuação de Andrew Scott precisa, portanto, fazer muito em pouquíssimo tempo. E isso é precisamente o que ele faz. Em uma mesma cena, ele se apresenta cheio de certezas, e logo a seguir absolutamente inseguro. Num momento tímido, no outro espalhafatoso. O que mais impressiona, no entanto, não é o amplo espectro de características e traços de personalidade e a fluidez e velocidade com que Scott passa de uma coisa a outra. O fator na atuação de Scott que mais me chama a atenção é a sutileza. Porque num personagem em meio a tantos processos e trânsitos, é grande o risco da coisa descambar para a caricatura como forma de demarcação. Mas a atuação de Scott é daquelas que sequer parecem uma atuação. Simplesmente parece que alguém ligou uma câmera e ele tá ali trocando uma ideia com a Phoebe Waller-Bridge. Ou então que ele secretamente sempre foi padre a vida inteira. Não é à toa que o papel foi escrito para ele e que a segunda temporada talvez nem acontecesse se ele não tivesse topado, sendo o padre tão essencial, segundo declarações da própria Waller-Bridge. Andrew Scott é tão magnético e carismático que, ao contrário de muitos, eu nem gosto do Padre Gato. Acho ele, em muitos momentos, manipulador e mesquinho (ainda que não de forma consciente). Acabei a temporada passando raiva dele. E ainda assim aqui estou escrevendo sobre esse personagem e essa atuação, porque mesmo não gostando do Padre Gato, eu me apaixonei por ele. — Luiza Conde

MELHORES ATRIZES COADJUVANTES

Alex Borstein (The Marvelous Mrs. Maisel)

Dona de um timing cômico invejável, Alex Borstein teve poucas oportunidades de, em carne e osso, mostrar o seu talento. A voz por trás de uma das protagonistas de Family Guy exibe aqui um trabalho ímpar. Dar conta do roteiro de Amy Sherman-Palladino já é uma vitória por si só — é ágil, é carregado, é um trabalhão. Mas como todo o elenco, Bornstein está no auge do seu talento ao fazer de Susie o alívio cômico mais do que necessário na série — a cada frase, a cada olhar, é difícil manter a seriedade ao acompanhar a atuação da atriz. Nesta segunda temporada, ela ganha mais profundidade e fica evidenciado o abismo entre a vida de sua personagem e de sua amiga/colega de trabalho Midge. Enquanto ela se esforça para conseguir apresentações para Midge, esta parece dar mais relevância para sua vida social do que na carreira. Midge e Susie evidentemente têm batalhas diferentes — enquanto as apresentações são um hobby com potencial de ser algo a mais para Midge, para Susie ser agente é um meio de conseguir manter-se viva. O segundo ano consegue destacar as discrepâncias entre uma mulher realmente lutando para sobreviver, enquanto outra tenta achar seu lugar, mas sem deixar seus privilégios de lado. Diferentemente do que ocorre em algumas comédias atuais, no entanto, Borstein não deixa os tópicos mais sérios transformarem sua performance em algo mais sombrio. A comediante em momento algum deixa o sarcasmo, a vibe mal humorada e o fato de não ser o tipo de mulher que pede desculpas por suas ações de lado. Coração e comédia andam juntos aqui, sem um lado sacrificar o outro. — Rodrigo Ramos

Eliza Scanlen (Sharp Objects)

Numa temporada em que mais uma vez as atuações femininas foram o destaque, a entrega da jovem atriz Eliza Scanlen despertou a nossa atenção instantaneamente. Roubando a cena de nomes como Amy Adams e Patricia Clarkson, Scanlen deu vida a uma das personagens mais complexas e assustadoras do livro de Gillian Flynn com a propriedade de uma atriz veterana. As mudanças bruscas de humor e a crueldade de Amma poderiam facilmente transformar a personagem num clichê ambulante, afinal psicopatia não é algo incomum nas séries da HBO. No entanto, Scanlen fugiu da caricatura ao trazer camadas e cores um tanto diferentes da obra original, imprimindo uma fragilidade infantil aos trejeitos de Amma, que em nenhum momento soou forçada. Inclusive foi justo esse ar frágil o responsável por deixar o desfecho da minissérie ainda mais perturbador. Ou vai dizer que aquele “Não diga à mamãe!” não ficou na sua mente por dias? — Zé Guilherme

Rhea Seehorn (Better Call Saul)

Better Call Saul é conhecida por ser uma série de pouquíssimos excessos. A trama e os personagens costumeiramente se movem com certa calmaria, de maneira silenciosa. O elenco reflete isso em suas performances. Rhea Seehorn tem uma atuação abaixo do radar para muitos, sendo esnobada por todas as premiações principais por seu trabalho em Better Call Saul, porém é mais uma daquelas injustiças. Kim Wexler mantem se desafiando até o limite e está cada dia mais próxima de um colapso nervoso, seja pelas relações interpessoais (ela e Jimmy simplesmente não conversam sobre o relacionamento e visivelmente ela fica desconfortável com várias das escolhas dele) ou pelo trabalho (ela se multiplica em 30 pra dar conta, o que lhe causou o acidente na temporada passada). A verdade é que Kim está tentando se entender, se descobrir, enquanto Jimmy está em outra situação distinta. É interessante como ela tenta sair da estrada que percorre, e até se diverte nisso, mas acaba voltando ao caminho correto, já em contrapartida Jimmy vai por outra via. Seehorn maneja com sucesso seus questionamentos internos, sem extravagancias, numa atuação low-key, mas cirurgicamente precisa. — Rodrigo Ramos

Patricia Arquette (The Act)

Enquanto assistia a The Act, um detalhe da performance de Patricia Arquette me saltou aos olhos: antes de boa parte das falas de sua Dee Dee Blanchard, ela soltava um murmúrio gutural, expressivo, como que uma vilã prestes a introduzir o seu plano maligno. Esses conspícuos ohhhh’s de Arquette logo se entrelaçaram à identidade da série, para mim. O que The Act queria era transformar uma sinistra história real em um riff esperto do cinema de horror, ao mesmo tempo em que expunha os sistemas perversos que permitiram e cercaram a tragédia de Dee Dee e Gypsy. É preciso uma atriz de talento monumental para se insinuar na identidade de uma obra desse jeito, se costurar nela de forma que a performance seja inextricável do todo em que ela foi inserida. Patricia Arquette é uma dessas atrizes de talento monumental, e sua Dee Dee entra para a galeria de personagens mais grotescas, inescrutáveis, aterrorizantes, sufocantes e (paradoxalmente) trágicas da televisão. — Caio Coletti

Patricia Clarkson (Sharp Objects)

Patricia Clarkson é uma daquelas atrizes que já interpretou uma gama de personagens, seja no cinema ou na TV. Apesar de não ser uma estrela famosa de Hollywood ela tem uma carreira excelente e recheada de interpretações convincentes em filmes de qualidade. Ainda assim, ao se deparar com a primeira cena da atriz na minissérie Sharp Objects, é impossível não tomar um choque. Adora, a matriarca da família Preaker, é um presente para qualquer atriz.

Durante todos os episódios da minissérie ela parece viver em um mundo a parte, tão fora da realidade que é fácil se perguntar se aquela mulher está realmente sendo cruel ou ela é simplesmente uma pessoa que já sofreu tanto que prefere criar realidades paralelas. Uma das grandes antagonistas de Sharp Objects, e que por conta da interpretação incrível da Clarkson, você como público acaba criando empatia mesmo diante de seus atos mais horrendos. Patricia entrega uma mulher vil, mas que vai além da maldade característica. Ela é tridimensional, ela é única, ela é o tipo de personagem que você pode não gostar, mas quer sempre saber mais. Sem dúvida uma das melhores interpretações do ano! — Carissa Vieira

Sian Clifford (Fleabag)

Sian Clifford não é um grande nome na televisão, mas deveria ser. A irmã bem sucedida, tensa, controladora, quadrada e presa em um casamento infeliz de Fleabag rouba completamente a cena na segunda temporada de série.

É inegável que a relação de Fleabag com Claire tem grande relevância na primeira temporada e continua se mostrando um dos maiores pilares e virtudes da série em seu segundo ano. Se anteriormente os conflitos eram o que mais apareciam, agora a vontade de solucioná-los se torna uma preocupação, nos proporcionando uma hipnotizante jornada de auto-descobrimento e perdão. A relação das duas, que é conturbada para além de suas próprias e questionáveis ações, e a bagagem que antes as impediam de se relacionarem é abordada de uma forma complexa e tocante dando mais dimensão e profundidade para a personagem que até o momento não nos havia sido apresentado. Mesmo com todos atores e atrizes mostrando o seu melhor em Fleabag (temos uma vencedora de Oscar no elenco, galera!!!!), ouso dizer que Sian ainda entrega a melhor performance de toda a série. — Régis Regi

Audra McDonald (The Good Fight)

Se o nome Audra McDonald não lhe é familiar, deveria ser. A atriz é uma lenda viva do teatro, sendo vencedora de seis prêmios Tony, mais do que qualquer ator/atriz na história, e também é a única performer (homem/mulher) a vencer nas quatro categorias de atuação (atriz em peça e em musica, atriz coadjuvante em peça e em musical), além de contar com dois Grammys e um Emmy. Desde a temporada passada, ela empresta o seu talento para The Good Fight. Se no ano de estreia de Liz Reddick na série ainda foi um pouco tímido, na terceira temporada ela se torna a co-protagonista ao lado de Diane Lockhart.

Liz enfrenta vários problemas durante a temporada que põem à prova o talento de Audra McDonald. Logo no início da temporada, descobre que o pai, um ícone dos direitos civis, abusou e estuprou mulheres durante seu tempo de vida. Não só isso, mas precisa lidar com a crise interna que a descoberta gera para o escritório. Ela também entra em processo de divórcio, se envolve em um clube secreto que declara guerra à administração Trump, além de se deparar com as várias loucuras cotidianas e do trabalho. É uma bela jornada que a personagem atravessa, e McDonald trabalha com graça e competência. Como muitos do elenco, não é uma atuação over the top, não há o grande momento em que ela irá gritar e fazer um escândalo para chamar atenção e ganhar prêmios por isso. É com sutileza, elegância e puro talento que McDonald encara as difíceis decisões da personagem, se questiona constantemente, e também se diverte sempre que pode. — Rodrigo Ramos

 

MELHORES ATORES

Mahershala Ali (True Detective)

A terceira temporada de True Detective tinha como missão e promessa recuperar algum prestígio para a série depois de uma desastrosa segunda temporada. Uma das decisões mais acertadas para fazer isso foi chamar o Oscarizado ator Mahershala Ali, um dos melhores atores da atualidade, como protagonista. Se dividindo entre compor o personagem entre os anos 80 quando investiga um caso como o detetive jovem, inteligente e calmo cercado por questões como a sua passagem pelo Vietnam e ser um homem negro em sistema comprovadamente racistas, os anos 90 após a investigação e em 2015 sendo atormentados pelas repercussões desse caso enquanto é atormentado pela sua própria condição física e mental, já envelhecido, sofrendo de perdas de memorias e demência derivadas a isso.

O espetacular do trabalho de Ali é como ele consegue criar uma persona tão cativante para Hayes e diferenciar os três estágios do personagem durante todas as passagens de tempo que enfrenta. É comovente e visceral ver a transformação do personagem conforme os anos até chegar no seu último estado em que Mahershala se entrega por completo se doando numa transformação física e corporal para trazer à tona uma verdade tão palpável como um homem muito mais velho do que ele é e atormentado pelo tempo. Tendo em Carmen Ejogo e Stephen Dorff parceiros de cena com quem divide uma química tão poderosa, isso apenas reflete o quão generoso Ali pode ser como ator. — Diego Quaglia

Jharrel Jerome (When They See Us)

A melhor palavra que eu consigo encontrar para definir a atuação de Jharrel Jerome em When They See Us é “titânica”. Em tela, conforme os episódios da obra de Ava DuVernay vão passando, ele é um titã emocional. Nos momentos iniciais, em que aparece descontraído, andando por sua vizinhança em Nova York; no desespero de um interrogatório de última hora, que só aconteceu por sua diligência como amigo; na agonia de um julgamento em que a injustiça é palpável; nas muitas fragilidades que ele precisa demonstrar conforme o seu Korey é quebrado de muitas formas diferentes na prisão.

Titânica, sim, e também estonteantemente corajosa. Aos 21 anos, Jerome encarou um material mais desafiador do que qualquer ator com o dobro de sua experiência na TV norte-americana. Saiu triunfante, e coerente, sem dar qualquer passo em falso na jornada que construiu e em seu simbolismo. Se há quem hesite em classificar sua performance como a melhor da temporada, difícil dizer que não é a mais inesquecível. — Caio Coletti

Jim Carrey (Kidding)

Com mais de três décadas de carreira, Jim Carrey tem uma vasta coleção de papéis icônicos. A maioria deles cômicos, porém alguns dos melhores iam além da busca por risadas. Quando é dada a oportunidade para Carrey ir fundo, o ator cava de verdade e se enterra no personagem. Jeff Pickles (visivelmente inspirado no apresentador Fred Rogers), um famoso ícone infantil da TV, tem sua vida mudada drasticamente após um acidente ter tirado a vida de um de seus filhos. Carrey retrata o personagem como alguém doce, inocente, ingênuo, que acredita sempre no melhor das pessoas — o tipo de valor que ele leva às crianças no seu programa. Mas Jeff não está bem — e qualquer pessoa pode ver isso estampado em seu rosto. Jeff está em negação e não sabe lidar com o luto de ter perdido o filho. Ele continua se pondo em segundo plano, priorizando a vontade dos demais ao seu redor, porém aos poucos vão aparecendo os focos de demonstração de raiva, de falta de equilíbrio emocional, até mesmo de conexão com a realidade. Jeff é um personagem incrível, com tremenda complexidade, e Carrey o executa com maestria. O ator é perfeito ao encaixar os tons doces, otimistas, até as paletas mais obscuras, pesadas. É um trabalho difícil, exaustivo emocionalmente, que exige o máximo do talento de Carrey, que entrega mais até do que imaginávamos que ele seria capaz. — Rodrigo Ramos

https://www.dailymotion.com/video/x7tovna

Jared Harris (Chernobyl)

Já conhecido no mundo das séries pelo impecável Lane Pryce de Mad Men e participações fascinantes em The Terror, The Crown, Fringe e The Expanse, Jared Harris em Chernobyl dá mais um exemplo de como ele é um ator talentosíssimo e um desses artistas tão interessantes e versáteis, conseguindo dar mais um exemplo de suas forças como intérprete. Um fator curioso sobre Jared é que ele é filho do lendário Richard Harris, ator já falecido e conhecido por ser o primeiro intérprete do Dumbledore, da franquia Harry Potter, mas também por entregar interpretações memoráveis no movimento da British New Wave e outros grandes desempenhos durante as décadas de 60, 70 e 90. Jared e Richard têm vozes e intensidades muito parecidas e ambas as coisas são ótimas neles, porém enquanto Richard era um ator muito mais extrovertido, Jared é um artista bem mais introvertido e internaliza a sua intensidade em seus papeis. E isso é essencial em Chernobyl para que ele retrate o poderoso desenvolvimento do seu Valery Legasov. Os sentimentos do seu personagem são muito palpáveis e conseguimos sentir o que ele sente, todo o seu desespero com os erros dos outros e a sua necessidade de evitar o pior dentro daquela situação com o passar do tempo. Jared Harris interpreta a paixão de seu personagem tentando lidar da melhor forma possível com da gravidade da situação enquanto também tem que lidar com o lado mais corrupto do governo que ele faz parte. Seus momentos de indignação são maravilhosos do mesmo jeito que ele insere seus momentos mais quietos, que conseguem ser até inspiradores, de indignação e de sacrifício selando o seu triste, lamentável e inspirador destino. — Diego Quaglia

Bill Hader (Barry)

Assim com Winkler, Bill Hader não é conhecido por sua veia dramática. Pelo contrário. Para Hader, em especial, é um desafio triplicado. Não somente na atuação, mas também no roteiro e na direção, Hader incorpora a dramaticidade de forma mais intensa e constante nesta segunda temporada. Seu personagem ganha mais profundidade, tentando se livrar da vida de assassino, ansiando uma vida “normal”, mas tem dificuldades de deixar o passado pra trás. Hader já mandava bem fazendo piada com a temática, mas curiosamente mostra-se um ator mais competente ao conseguir executar as complicadas nuances das circunstâncias do contexto em que está inserido na narrativa. O ator traz sensibilidade (sim, estou falando isso de Bill Hader) para o papel, enquanto também exerce a raiva embutida e constantemente provocada pelos caminhos trilhados pela série, além do peso que carrega pelo passado (e também presente) de assassino. Em muitos momentos da temporada, Hader diz mais quieto, através das feições, do que pelos diálogos. É um trabalho de primeira, algo que definitivamente não se esperava dele. — Rodrigo Ramos

Billy Porter (Pose)

Pray Tell é uma força da natureza, e era preciso uma força da natureza para interpretá-lo. O ator Billy Porter conta que, antes de sua chegada na produção de Pose, o personagem nem mesmo existia – seu teste inicial foi para outro papel, de relevância bem menor para a trama. Assim, com uma persona toda construída ao redor de si, Porter agarrou a série de Ryan Murphy, Steven Canals e Brad Falchuk pelos colarinhos e forçou-a a ser o furacão que ela se tornou, porque não ser configuraria um insulto à sua performance.

Porter é deliciosamente arrojado e teatral nas cenas dos bailes, mas funda esse arrojo e teatralidade em traços emocionais profundamente sentidos e expressados. Fugindo da tentação de colocar Pray Tell, por sua luta contra tantas opressões, em um pedestal onde não poderia ser humano, Porter o cria sentimental e, fundamentalmente, apaixonado – por muitas coisas e pessoas, em muitos sentidos. Assim, faz com que seja fácil não só amá-lo, como se ver nele. — Caio Coletti

Bob Odenkirk (Better Call Saul)

O desenvolvimento de Jimmy McGill para Saul Goodman tem sido realizado com carinho pelos roteiristas da série. Alguns espectadores podem ter se frustrado, mas a cadência sempre fora marca registrada de Breaking Bad e Better Call Saul — especialmente a segunda. A série não tem pressa alguma e nisso vem criando um dos personagens mais bem delineados da TV durante este século. Nesta quarta temporada, o protagonista está sem sua licença de advogado e precisa colocar o trem nos trilhos novamente, para que possa depois de um ano tentar tirar a sua carteirinha de profissional de Direito novamente. Pois bem. A verdade é que Jimmy não se contenta com pouco — aliás, nenhum emprego legal lhe parece atrativo. Lidar com questões pessoais? Pff, é besteira. Jimmy até tenta, persiste, vai de emprego em emprego, mas não consegue se estabilizar e acaba voltando para os trambiques. É sua verdadeira natureza. E Odenkirk abraça isso com gosto neste quarto ano.

Jimmy sofre e sempre sofreu por não conseguir trilhar os passos de seu irmão e fazê-lo orgulhoso, mas com a morte de Chuck, nem mesmo a presença de Kim é o suficiente para que o protagonista opte por um caminho dentro da legalidade. Odenkirk, novamente, brilha na tela. Nota-se em Jimmy uma inquietude, uma necessidade de sair daqueles lugares comuns, que não correspondem a quem ele é. Isso acaba sendo fruto de confronto de prioridades entre ele e Kim — e algumas das melhores cenas da temporada envolve uma troca entre a dupla, como a discussão no topo de um prédio em “Wiedersehen” ou nos últimos instantes da temporada em “Winner”. Bob Okenkirk é excelente na arte da picaretagem em cena, mas também carrega os momentos dramáticos com mesma eficiência. Ao que tudo indica, agora sim veremos Saul Goodman entrando em ação pra valer, conforme a narrativa da série vai se afunilando. Sendo assim, tendo em mente o que já vimos até aqui, espera-se ainda mais de Odenkirk no futuro de Better Call Saul, e se tem a certeza de que o ator continuará honrando o papel e entregando uma das melhores performances masculinas da TV na atualidade. — Rodrigo Ramos

 

MELHORES ATRIZES

MJ Rodriguez (Pose)

Graças à TV, atores e atrizes trans vêm ganhando mais espaço. Claro, os papeis ainda são escassos, mas é notável a evolução — afinal, agora não precisamos mais de Jeffrey Tambor interpretando uma pessoa trans, superamos já essa fase. Pose é um exemplo enorme de representatividade para trans, gays, negros e latinos. É um grande peso ser a protagonista de uma produção de tamanho impacto social. A série da FX contém o maior elenco com performers trans da história da TV — cinco, ao todo. MJ Rodriguez tem a responsabilidade de guiar esse elenco diverso e tirar alguns estigmas (ou seriam preconceitos mesmo?) sobre atores trans. Dado todo o contexto, o que MJ faz? Bem, uma das melhores performances da temporada. Sua personagem, Blanca Evangelista, tem várias camadas e Rodriguez equilibra todas elas, desde a mãe responsável e que busca de todas as formas ajudar os filhos, entre a afetuosidade e a ferocidade, a ingenuidade no amor, a luta por vencer na vida por ser uma mulher trans, além da batalha contra o HIV. Entre os momentos divertidos e a seriedade que várias pautas demandam na série, Rodriguez sai dessa com graça. É uma interpretação cheia de gentileza e honestidade, algo raro de se encontrar atualmente. É um papel gigante e que MJ não se assusta ao executá-lo. — Rodrigo Ramos

Patricia Arquette (Escape at Dannemora)

Patricia Arquette denominou a temporada 2018/2019 como “o seu ano de mulheres monstruosas e complicadas”. A Tilly Mitchell de Escape at Dannemora pode até se encaixar nessa descrição, mas não é exatamente assim que Arquette, com a enorme sabedoria da grande atriz que é, a aborda. Nas mãos dela, Tilly começa como uma caricatura, uma pilha de trejeitos nervosos, fisicamente imponente, refrescantemente franca sobre essa fisicalidade. Acaba, no entanto, como um testemunho de humanidade gigantesco. E não é que o espectador seja levado a gostar dela, tampouco. A magia de Arquette, aqui, é criar uma mulher que reúne todos os julgamentos, todas as preconcepções e rótulos que querem prender a ela, e os atira pela janela. Ela é irascível, inflexível, intratável, incontrolável, mas também desesperada — por afirmação, por afeto, por alguma ilusão a qual se prender em uma vida patética. Imprevisível como a história que a minissérie conta, Arquette faz de Escape at Dannemora um conto muito mais vibrante do que seria sem ela. — Caio Coletti

Joey King (The Act)

7 Desejos, A Barraca do Beijo e Slender Man: Pesadelo Sem Rosto são parte da até pouco tempo atrás nada invejável carreira de Joey King. Portanto, foi com certo pé atrás que muita gente encarou uma escolha tão… inusitada para viver a protagonista da dramática The Act. Contudo, superando até o mais fiel de seus (poucos?) fãs, Joey King brilha a cada cena da série. Dando vida à, por vezes vitimizada, por vezes astuta Gypsy Blanchard, Joey King atua de igual para igual com a veterana Patricia Arquette (Dee Dee Blanchard, mãe de Gypsy). No entanto, assim como sua personagem se fortalece ao sair das asas da mãe, os melhores momentos de Joey estão nos episódios finais, quando a personagem ganha mais protagonismo, tempo de tela e nuances que não fazem ao mesmo tempo ter pena e ódio da complexa figura que interpreta. — Breno Costa

Amy Adams (Sharp Objects)

Falar sobre Amy Adams é naturalmente falar sobre talento. Nos últimos anos ela nos presenteou com tantas personagens incríveis e cheias de nuances que nunca é surpreendente nos depararmos com um novo trabalho bem executado. E ao interpretar a protagonista da minissérie Sharp Objects, Camille Preaker, como já era esperado a atriz nos presenteou com uma interpretação brilhante. Só que ao dar vida a Camille, Amy se despiu totalmente de si mesma e se tornou a Camille. Amy, a simpática atriz, não existia na tela. Quem aparecia era uma mulher problemática e que se machucava de maneiras físicas e psicológicas. Em todos os seus ótimos anos de carreira ela nos deu personagens complexas, densas, interessantes, mas nunca trouxe tanta vulnerabilidade para as telas. Amy permitiu que toda a complexidade mental da Camille viesse à tona na sua postura, no seu jeito de falar, de gesticular. Em cada cena o peso da vida daquela mulher tão cheia de dor aparecia. Amy Adams é sempre competente, mas em Sharp Objects ela mostrou que não precisa de uma tela de cinema para brilhar. — Carissa Vieira

Christine Baranski (The Good Fight)

Já são 10 anos de Diane Lockhart. Apesar da longevidade improvável de uma personagem como esta, Robert e Michelle King continuam surpreendendo ao escrevê-la. Há viradas inesperadas para Diane neste terceiro ano e Christine Baranski mantem-se incrível no papel, visivelmente divertindo-se ao máximo, com o entusiasmo de uma personagem novinha em folha. São escolhas peculiares feitas para ela, e Baranski as executa como a realeza que é, seja batendo a cabeça contra a parede, empolgando-se em participar de um jantar beneficente para os republicanos, enfrentando de frente o bully Roland Blum, liderando um exército feminino anti-Trump, cantando Prince, atirando machados ou simplesmente fazendo seu trabalho de advogada. Baranski não tem mais nada a provar a quem quer que seja e, assim como Diane, simplesmente não liga mais para premiações (tô falando com vocês, votantes do Emmy). Sendo assim, Baranski não tem pretensões e se compromete por amor ao papel, que já era bom o suficiente em The Good Wife, mas que se supera a cada temporada em The Good Fight. — Rodrigo Ramos

Jodie Comer (Killing Eve)

Ao bem da verdade, Killing Eve fez um segundo ano decepcionante. Tudo o que era novidade no primeiro ano da série pareceu requentado e sem sal, porém felizmente o destaque mais subestimado pela crítica na temporada de estreia da série, foi o único ponto que realmente funcionou. Sim, estamos falando da Villanelle de Jodie Comer. Agora com um merecido BAFTA em mãos, a jovem atriz inglesa não deixou a psicopata obcecada pela agente do MI6 parecer um repeteco do que foi feito antes. Villanelle voltou com um humor ainda mais ácido, e seu “amor” por Eve foi o que conferiu o mínimo de imprevisibilidade à trama. Muitas vezes nos pegamos rindo das ações mais erradas da assassina, para minutos depois temer pelo destino de um dos protagonistas que estivessem na mesma sala que ela. O rosto de Jodie Comer deve ser um dos rostos mais expressivos da TV atualmente e enquanto tivermos a chance de acompanhar mais de Villanelle e menos de qualquer outra pessoa, a série vai sustentar sua audiência. Só que não é pedir muito por um roteiro menos travado. — Zé Guilherme

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Julia Louis-Dreyfus (Veep)

Em seu ano de despedida, Veep, que sempre foi uma sátira política, decidiu abraçar os absurdos da nossa realidade política de vez ao passo que vemos uma realidade de extremos e absurdos que parecem coisa de ficção. E por isso nada mais lógico do que ver a Selina Meyer, mais uma vez interpretada pela genial Julia Louis-Dreyfus, no auge da sua insanidade e maldade em busca do poder. As falhas de caráter de Selina sempre estiveram presentes na personagem, que nunca foi uma boa pessoa, porém ano após ano Veep foi levando esses defeitos a novos extremos como se Selina estivesse entrando numa jornada de autodestruição moral e se tornando um ser ainda mais desprezível.

No seu último ano, vemos o arco de Selina se fechando ao vermos ela abandonando de vez todos os amigos e a família que lhe restavam para atingir os objetivos que quer. Trair Gary (Tony Hale), seu mais fiel e totalmente devotado escudeiro, é a prova máxima que Selina chegou num caminho sem volta em que ela consegue o quer, porém tem que viver com a solidão. O caminho quase Shakespeariano de Selina só não é trágico porque estamos numa das comedias mais absurdas já criadas e Julia usa esse absurdo a seu favor fazendo com que gargalhemos de Selina ao mesmo tempo que tenhamos noção do caminho sombrio que ela está se afundando e reconhecemos a gravidade dele. E por isso Selina é hilária. Porque ela é um anti–modelo e Julia, mais uma vez, brilha explorando não apenas a falta completa de noção dessa figura, mas a sua insanidade crescente.

Contudo, o que impressiona mesmo são os momentos em que a temporada final Veep consegue brilhantemente silenciar esses absurdos e em uma cena de despedida envolvendo Selina e Ben Cafferty (Kevin Dunn), uma das poucas pessoas com quem teve uma relação realmente sincera, ela entre um colapso por se perceber tão sozinha e por entender que o preço para conquistar tudo que sempre quis foi demais. É comovente e incrível como Julia, em questão de segundos, consegue humanizar essa personagem mostrando alguém tão digno de pena quanto é digno de desprezo por se afundar num mar de solidão e de esquecimento trágico só por ir atrás de um desejo fugaz.

Os Estados Unidos se esqueceram de Selina mas nós nunca vamos nos esquecer de Julia Louis–Dreyfus, uma das melhores atrizes cômicas de todos os tempos, que criou durante esses anos uma personagem que nos fez rir e odiá-la em um desempenho verdadeiramente histórico de uma atriz histórica. Aplausos. — Diego Quaglia

Phoebe Waller-Bridge (Fleabag)